La bande dessinée est-elle un art ?

Introduction au débat : la méconnaissance du média

La bande dessinée est-elle un art ? La réponse devrait être un oui retentissant, et la question devrait même sembler ridicule à ce stade. Mais, malheureusement, la réponse n’est pas si claire et dépend de la personne à qui vous demandez.

Certains affirment qu’en tant que moyen d’expression moderne, doté d’une grande richesse narrative et visuelle, qui tend à utiliser un langage direct et spontané intégrant des apports d’autres domaines tels que la littérature, la peinture et le cinéma, il a très bien réussi à s’imposer auprès des jeunes mais pas auprès des lecteurs adultes. Ceux qui défendent cette position ont tendance à penser qu’il n’existe qu’un seul type de Bandes dessinées, celui des BD pour enfants et adolescents.

L’un des arguments qui expliquent cette position est le suivant : Comprendre la bande dessinée comme un tremplin vers d’autres types de littérature considérés comme plus « sérieux », ce qui limite le temps passé à lire des bandes dessinées à un certain âge. Deux facteurs peuvent influencer cette position : l’un est la méconnaissance du média et l’autre est la vision que donnent parfois les secteurs non spécialisés où, en règle générale, on ne parle de la bande dessinée qu’à l’occasion de l’anniversaire, de l’exposition ou de l’adaptation cinématographique de certains de ses personnages les plus populaires comme Tintin, Astérix, Spirou ou encore Spider-Man.

De même, lorsque ces médias parlent d’événements liés à la bande dessinée, ils placent généralement des images de jeunes gens habillés en personnages de mangas ou en super-héros. Il est vrai que, si l’on analyse les personnages cités, ils ne sont pas aussi enfantins qu’il n’y paraît et que se déguiser à un salon de la bande dessinée est quelque chose de typique de ce genre d’événement pour des personnes de tous âges. Mais si les mêmes images sont toujours montrées sans les nuances pertinentes, les gens, en général, font toujours les mêmes associations, maintenant les stéréotypes.

La bande dessinée n’est pas la seule forme d’art à avoir connu ce problème. Rappelons que le cinéma, dès ses débuts en 1895, n’était pas considéré comme un média ou un art, tout au plus une attraction mineure. Cela a changé et il est maintenant classé en genres pour différencier les films sur des questions telles que la qualité et le public. Il en a été de même pour les bandes dessinées (bdparade.com), qui ont progressivement pris leur place dans la culture de masse.

Les origines

Commençons par le début. Il est vrai que la bande dessinée est apparue comme une forme de divertissement qui associait l’illustration et la caricature (généralement méprisées par les élitistes de l’art) à l’écriture dans le but de raconter une situation, une idée ou une histoire. D’où son ingrédient essentiel : la séquence. C’est probablement l’une des raisons pour lesquelles l’auteur et théoricien de la bande dessinée Will Einsner a qualifié la bande dessinée d’art séquentiel.

Changement d’état d’esprit : les théoriciens du neuvième art

La tendance initiale qui consistait à considérer la bande dessinée comme un support de lecture exclusivement destiné aux enfants a évolué, notamment grâce aux apports artistiques successifs qui ont permis à ce média de développer son propre langage, mais aussi grâce à l’émergence du genre Underground (1968-1979) – où des contenus pour adultes ont été introduits – à laquelle il faut ajouter diverses études culturelles sur cet art, initiées entre 1960 et 1970, qui comprenaient la bande dessinée comme un produit culturel reflétant la façon de penser ou les positions philosophiques d’un auteur. Cela répondait à l’objet de ces études, qui était non seulement l’analyse et l’investigation de la création de significations (relations de pouvoir, production de signes et de discours) mais aussi les produits culturels d’une société.

Ainsi, en analysant la culture d’une société, en prenant comme point de départ tout ce qui est lié à l’idéologie, à la nationalité, à l’ethnicité, au sexe, aux classes sociales et aux produits culturels, en prenant en considération de multiples disciplines telles que l’économie, la politique, la communication, la sociologie, le cinéma, l’anthropologie, la philosophie et la sémiotique, on finirait par considérer la bande dessinée comme un art.

Les exemples de ces théoriciens du neuvième art sont nombreux. On peut citer Umberto Eco qui, dans son ouvrage Apocalípticos e integrados, réfléchit sur la culture de masse en analysant, entre autres, des bandes dessinées telles que Steve Canyon de Milton Caniff, Superman de Jerry Siegel et Joe Shuster et Peanuts de Charles M. Schulz. Pour leur part, Terenci Moix et Roman Gubern étudient le langage des bandes dessinées et leurs fonctions dans la société de la fin des années 1960 à la fin des années 1970.

Dans les années 1990, on trouve M. Thomas Inge qui étudie la culture à travers les strips américains et le dadaïsme dans les bandes dessinées expérimentales de George Herriman (notamment Krazy Kat, 1913-1944) ou Scott McCloud qui, dans son ouvrage Understanding Comics. L’Art Invisible réalise un exercice de métalangage, car son livre est conçu sous forme de bande dessinée pour expliquer comment comprendre le langage de la bande dessinée elle-même. Ou, en d’autres termes, il utilise la bande dessinée pour parler de la bande dessinée elle-même. Quelque chose que le susmentionné Will Eisner avait déjà fait à la fin des années 1970.

C’est ensuite dans les années 1960 que ce genre a commencé à jeter des ponts avec l’art grâce, entre autres, à des artistes comme Roy Lichtenstein, qui a fait du pop art le motif principal de ses œuvres.

Le lecteur adulte

A cette considération de l’auteur en tant qu’artiste et de la bande dessinée en tant qu’objet d’étude s’ajoute un troisième facteur, qui est l’émergence du lecteur adulte. Ou, si vous préférez, le public a grandi et attend de ses bandes dessinées qu’elles soient plus sophistiquées et complexes. C’est à ce public que s’adresse le genre Underground susmentionné, où des artistes tels que Robert Crumb – le père de ce genre – tentent de le faire.

Les bandes dessinées commencent donc à être prises comme point de départ d’une critique sociale ou pour montrer une réalité. Ainsi, par exemple, nous pouvons citer le récit de l’Holocauste dans Maus d’Art Spiegelman, l’exercice de la mémoire historique dans le cycle Paracuellos de Carlos Giménez ou la bande dessinée post-cyberpunk Transmetropolitan de Warren Ellis.

Dans les années 1970, des graphistes et des écrivains tels que Moebius, Enki Bidal et Jodorowsky ont rapproché la bande dessinée de thèmes érotiques et sociaux, la renouvelant ainsi en Europe pour lui donner un caractère plus adulte et une qualité supérieure. Des auteurs comme Jean-Claude Forest avec Barbarella, Guido Grepax, auteur de Valentina, Milo Manara, et Eleuteri Serpieri avec Druuna, sont des exemples de ce que nous disons, dans le genre érotique.

Mais, en outre, apparaissent les Graphic Novels et les Séries limitées qui, de par leurs caractéristiques, constituent une autre tentative de donner de la dignité à la bande dessinée, car elles sont conçues comme des œuvres dans lesquelles le même auteur scénarise et écrit, ou ceux qui scénarisent et dessinent sont des auteurs renommés, sans périodicité fixe – ce qui permet de construire plus facilement une intrigue plus élaborée – et un meilleur dessin imprimé sur un papier de meilleure qualité. Les bandes dessinées des années 1980 telles que Watchmen et V pour Vendetta d’Alan Moore, The Dark Knight Returns de Frank Miller ou Black Orchid de Neil Gaiman sont des exemples de ce type de BD.

Conclusion : la bande dessinée est un art

Nous sommes alors confrontés à un produit culturel, la bande dessinée, qui, en tant que moyen d’expression, a poli ses éléments conceptuels et formels au point d’avoir des qualités ou des caractéristiques suffisantes pour être considéré comme de l’art. Il suffit de jeter un coup d’œil au roman graphique Jimmy Corrigan de Chris Ware – exposé dans des musées tels que le Whitney Museum of America Art (2002) ou le Museum of Contemporary Art, Chicago (2006) – pour se rendre compte que les bandes dessinées ne sont pas toutes destinées aux enfants. Il est intéressant de noter que certaines personnes soulèvent aujourd’hui le problème inverse. Que la bande dessinée abandonne, dans son évolution, le public des enfants qui était son vivier de fans et de futurs professionnels. Comprenons cela en Europe et aux États-Unis car au Japon, ils n’ont pas ce problème puisque les mangas ont des genres pour tous les âges et chacun d’entre eux évolue indépendamment.

À ce stade, il est indéniable que l’esthétique de la bande dessinée a influencé d’autres domaines culturels tels que le design, la mode ou le cinéma. Le travail du designer français Jean-Charles de Castelbajac, qui s’est passionné pour ce genre, en est un exemple. Dans le domaine du graphisme, ce que l’on appelle les pochoirs sont issus de la bande dessinée, selon certains spécialistes de ce média. Il va sans dire qu’une multitude de films ont aujourd’hui pour référence les bandes dessinées, notamment dans le genre super-héros. Des super-héros qui, en tant qu’archétypes, jouent un rôle similaire à celui des dieux mythologiques. Ce sont des mythes populaires.

Nous pouvons donc dire que l’esthétique et le contenu des bandes dessinées, comme cela se produit en général avec la culture dite populaire dans laquelle elles se situent, sont partout, devenant ainsi un symbole reconnaissable de notre époque.

Il y a aussi les positions plus conservatrices en matière de culture, déterminées à faire des distinctions entre ce qu’on appelle à tort la haute culture et les autres manifestations culturelles. Dans le cas de la bande dessinée, compte tenu de tout ce que nous avons écrit, nous ne pouvons nier qu’il s’agit d’un moyen d’expression valable et, en général, accessible à tout type de public grâce à la diversité de ses formats et de ses thèmes. Il suffit de se rendre à un salon, une convention ou un festival de la bande dessinée en France pour s’en convaincre. Nous voyons des personnes de tous âges. Tous les événements culturels ne peuvent pas s’en vanter.